Le rose : le début de l’humanisme …

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Cette semaine nous avons vécu en "rose" dans tous les cours et ateliers que je vous ai proposés.
En cours en ligne, vous trouverez différentes facettes et aspects de la couleur "rose".

Pour compléter ce que nous avons abordé en histoire de l'art... un petit peu + ?

Avec un choix d'artistes qui va nous permettre de traverser l'histoire de l'art, non seulement par la chronologie, mais aussi par l'évolution de la texture, de la lumière et du rapport à l'espace... avec un "fil rouge" :
                                                                 le rose toujours !

L'histoire de la peinture n'est pas seulement une suite de dates : c'est l'histoire de la progression de l'œil et de la main, et de la manière dont l'être humain perçoit l'espace.
Avec quelques artistes auxquels la couleur "rose" est associée, nous allons voir aussi comment l'image est passée d'une "fenêtre ouverte sur le monde" à une "expérience sensorielle pure".

Nous commençons avec Giotto : ...
" Le rose de Giotto"  et " L'invention de la "Fenêtre"
ou "La Naissance de l'Espace" (Le Trecento)

Giotto est le point de départ idéal. 
C'est la fondation de la peinture moderne, la naissance de la tridimensionnalité : la naissance du volume et de l'humanisme.

Avant lui, la peinture est un mur de symboles,les figures sont plates sur un fond d'or symbolique  (style byzantin).
Après lui, elle devient une fenêtre ouverte sur une scène réelle. Il y introduit le "poids" des corps et la psychologie des visages.
On découvre l'émotion humaine, les visages ne sont plus figés, ils expriment des émotions humaines (douleur, compassion), les personnages occupent un espace réel, un vrai volume.

                                 C'est le début de la perspective moderne.

On n'utilise pas l'expression "Rose de Giotto" comme on parlerait du "Bleu Klein" ou du "Vert Véronèse", mais le rose occupe une place absolument fondamentale et révolutionnaire dans son œuvre.

Pourquoi le rose est indissociable de Giotto ?

- La révolution de la carnation :
Avant Giotto, dans la peinture byzantine, les visages étaient souvent peints sur une base verdâtre (la terre verte) pour donner de l'ombre.
Giotto a rompu avec cette tradition en utilisant des tons rosés et des blancs mélangés pour rendre la peau humaine plus vivante, plus "sang et chair".
                                               C'est la naissance de l'humanisme en peinture.

- Le rose architectural et symbolique :
Si vous visitez la Chapelle des Scrovegni à Padoue ou la Basilique Saint-François d'Assise, vous remarquerez que Giotto utilise le rose de manière structurelle :
Les architectures : Il peint souvent des palais ou des églises dans des tons vieux rose ou pastel pour créer un contraste doux avec le bleu intense du ciel (le fameux lapis-lazuli).
Les drapés : Le rose est utilisé pour donner du volume.
Giotto maîtrisait le cangiante (le changement de couleur dans les ombres), utilisant souvent des nuances de rose pour modeler les corps sous les tissus.

- La fresque et le "Fresco" :
Le rose de Giotto n'est pas une couleur chimique moderne, mais le résultat de pigments naturels :
Le Cinabrese : Un mélange de chaux éteinte et de sinopia (terre rouge) décrit par Cennino Cennini, qui permettait d'obtenir ces dégradés de chair si caractéristiques.

Bien qu'il n'existe pas de pigment breveté sous ce nom, "le rose" chez Giotto est le symbole de son passage du divin (le fond d'or byzantin) vers l'humain (la couleur de la peau et de la pierre).

Giotto est vraiment celui qui a remis de la "vie" et de la chair dans la peinture occidentale, et ce fameux rose en est l'outil principal ( portez une attention particulière aux joues des personnages : ce léger blush rosé est ce qui les a rendus humains aux yeux de ses contemporains)

Le rose est avec Giotto, une couleur de transition, douce et naturaliste, qui a ouvert la voie à toute la Renaissance.

Vous pouvez trouver un autre article sur ce blog qui pourra vous permettre d’approfondir encore :
 La lumière … les ombres … la “faute” à Giotto ! …